一封信

亲爱的碧惠姐,

自高雄一别,竞已二十多天, 迟迟没能静心给你回信,还请原谅。

离开高雄后，我直接北上到了花莲太鲁阁，两天后返回台北，次日飞香港，经那中转回国内，在近二十个小时的火车车程后，我终于回到了家乡见到了亲切的家人……

虽然走了这么多地方，想想最是难忘的还是在高雄和你共渡的一日，至今仍觉得梦一样，说它是梦不是说他不真实，而是真切美好如梦……你那样慈悲包容天真婉尔，让人忘掉年龄，忘却所谓的对“陌生人”的戒备之心……

看新闻，这些天，台湾受莫拉克台风的影响很大，希望你和你家人平安无恙……

这信写好多日，不知何故却迟迟没有寄出，想来约是有言语无法抵达的地方吧……

祝 安好

28 août 2009 05:36

陳珊妮「如果有一件事是重要的」

在听

離別曲

　　如果有一件事是重要的
　　你是我的酒
　　演歌
　　載我回家
　　穿你穿過的衣服
　　雨季
　　無邪氣
　　夜色
　　蘋果花
　　抒情歌曲(Demo)
　　粉紅色(Demo)
　　寂寞的詩(Demo)
　　當傾斜的傾斜重復的重復(Demo)

12 lovely things de Alix , really lovely!!!

12 lovely things de Alix

1) Les escarpins “rose” de Maï Lamore, avec talon et abeille en or ( très beau, et très inaccessible aussi )

The Maï Lamore “rose” stilettos, with gold heel and bee (very beautiful, and very unaffordable too).

-

2) Des vêtements en fleurs ( oui, oui, des culottes aussi ! )

Floral clothing (yes, yes, this includes underwear!)

Louis Park, Maison Martin Margiela

-

3) Prendre un bain … avec des fleurs.

Taking a bath… with flowers.

Lenaah, skye parrott, Sofia Sanchez

-

4) Des lit curieux dans des endroit curieux.

Weird beds in even weirder places.

Tim Walker, Justin Cooper

-

5) Des oreilles de lapin.

Bunny ears.

Nylon ( New york city girl ), Tim Walker

-

6) Des lunettes en forme d’étoiles.

Star shaped sunglasses.

Wendy Bevan

-

7) Les nuit d’hivers à la campagne. Un tapis de neige sur le sol, des étoiles et une lune brillante dans le ciel.

Winter nights in the country, a blanket of snow on the ground, a shining moon, and a sky full of stars

Your personal moon

-

8) Des nuages en coton flottant au plafond de sa chambre.

Cotton clouds hovering over a bedroom.

Sip my ocean

-

9) Des photos inquiétantes en noir & blanc.

Unsettling black and white photographs.

My pal the crooks

-

10) Faire de la balançoire !

Swings!

James Macari

-

11) Les ballons

Balloons

Lolita, jengotch, miss Dior chérie

Finally, the Miss Dior Chérie campaign produced by Sofia Coppola. If I didn’t already live in Paris, it would be my ultimate dream!

春夏秋冬

今天早起，煮咖啡的时候，看到草草长出了新的叶子，给它浇水，看新叶慢慢攀升的姿态，亦有淡淡喜悦。心想听一首温柔的歌，顺手打开，竟是这首：

秋天该很好你若尚在场
秋风即使带凉亦漂亮
深秋中的你填密我梦想
就像落叶飞轻敲我窗

冬天该很好你若尚在场
冬天多灰我们亦放亮
一起坐坐谈谈来日动向
漠视外间低温这样唱

能同途偶遇在这星球上
燃亮飘渺人生
我多么够运
无人如你逗留我思潮上
从没再疑问
这个世界好得很

暑天该很好你若尚在场
火一般的太阳在脸上
烧得剪如情痕极又痒
滴着汗的一双笑着唱

能同途偶遇在这星球上
是某种缘份
我多么庆幸
如离别你亦长处心灵上
宁愿有遗憾
亦愿和你远亦近
(独自重温当天吻)

春天该很好你若尚在场
春风仿佛爱情
在蕴酝
初春中的你撩动我幻想
就像嫩绿草使
春雨香

（张国荣:春夏秋冬 版本:粤语------专辑:陪你倒数 歌词: 曲:叶良俊 词:林夕 编: adrian chan）

这样始于秋，止于春的排序，想来也有一种特别的温暖……

夜照亮了夜

《夜照亮了夜》
演唱：萬芳 曲:伍佰 詞:王中言

夜是那麼黑 看不見悲喜界限
任誰都好累 青春只剩一滴眼淚
我變成了誰 不自由為愛放逐靈魂
心死就不傷悲 明知愛很珍貴
夜照亮了夜 痛戰勝了痛
然而春去春回 長大成人滋味
最黑的黑是背叛 最痛的痛是原諒
霧是那麼的輕 可以覆蓋一切
放過手的不是昨天明天你我
風吹過了雪 愛的記憶都融解
這一刻心為蝶 掙脫輪迴
我願擁抱你 你不能承受的虛偽 我來體會
我願擁抱你 你給不起的未來 我來告別

-收錄於專輯《ONE芳》

--
「夜照亮了夜」

夜。任何一種狀態，只要它在戀人身上引發（諸如情感的漲會的以及存在的等等）有關黑暗的隱喻，那就是我們在這裡所說的夜；戀人正是在這樣的黑暗中掙扎或是平靜下來。

1.兩種夜
我反覆感受到兩種夜：一好一壞。為了說明這一點，我求助於一種神秘的區分：estar a oscras（在漆黑中）會自行發生，無緣無故，因為我被剝奪了藉以照亮原因和結果的光線；而estar en tinieblas（在昏暗中）則會在這樣的時刻落到我頭上；我對事物的過分迷戀以及由此造成的混亂使我變得盲目。

我經常陷入自身慾望的黑暗之中；我不知道它（我的慾望）到底要什麼，善本身對我來說也成了惡，一切都在鳴響迴蕩，我生活在紛亂吵雜之中：estoy en tineblas（在昏暗中）。但有時候，又會出現另一種夜：我獨自一人，做沈思狀（也許這是我給自己安排的一個角色？），平心靜氣地望著對方，實實在在 地，不加虛幻的色彩；我收起一切闡發；我進入了無為之夜；慾望繼續顫動（黑暗是半透光的），但我不想捕捉任何東西；這種夜是非贏利的，是難以覺察的、極微 妙的消費之夜：estoy a oscuras（在黑暗中），我待在那兒，單純而又安詳地坐在愛情的黑色內府之中。

2.一種夜收容另一種夜
第二種夜包住了第一種夜，黑暗照亮了昏暗：「夜是黑暗的，但它照亮了夜。」我並不想用決心、支配、分手、奉獻等--簡言之，用動作—來擺脫戀愛的絕境。我只不過用一種夜晚去替代另一種夜晚。「讓這黑暗更黑，那就是通向一切神奇境界的大門。」


-出自《戀人絮語-一本結構主義的文本》章節。作者：羅蘭‧巴特。

Vintage

Qu'est ' ce que l'esthétique 美学是什么

最近在读这本书……

Marc JIMENEZ, Qu'est-ce que l'esthétique?

1997

Gallimard/Folio essais

Bibliographie sélective, index des noms propres et des notions, écoles et mouvements esthétiques, philosophiques, artistiques.

Notes :

[Il y a seulement une vingtaine d'années, le mot "esthétique", employé pour désigner la réflexion philosophique sur l'art, apparaissait prématurément vieilli. Bien que son sens moderne ne date que du XVIIIe siècle, il semblait désuet et prêt à disparaître. Certains philosophes allaient jusqu'a déclarer, de façon humoristique, que "dans son histoire bicentenaire depuis le milieu du XVIIIe siècle jusqu'au milieu du XXe siècle, l'esthétique s'est révélée comme un insuccès brillant et plein de résultats. A quoi tient ce paradoxe? Certainement aux diverses significations du mot esthétique; nous traiterons de cette question plus loin. Mais il tient aussi à l'objet même de l'esthétique, a savoir l'art. Et les contradictions que soulève celui-ci sont nombreuses. Nous les vivons au quotidien. Comment comprendre, par exemple, que la société moderne placée sous le signe de la civilisation de l'image accorde si peu de place a l'enseignement des arts plastiques? (...) L'art est un domaine à part et, de surcroît, ambigu. Lié a une pratique, il engendre des objets palpables ou donne lieu à des manifestations concrètes qui prennent place dans la réalité: il se prête à des expositions dans tous les sens du terme. Pour reprendre une formule du grand historien et sociologue de l'art Pierre Francastel, "l'art n'est pas velléité mais réalisation". Cependant, l'art ne se contente pas d'être là, car il signifie ausssi une manière de représenter le monde, de figurer un univers symbolique lié à notre sensibilité, à notre intuition, à notre imaginaire, à nos fantasmes. C'est son côté abstrait. En somme, l'art s'ancre dans la réalite sans être pleinement réel en déployant un monde illusoire dans lequel, souvent -mais pas toujours- nous croyons qu'il ferait mieux vivre que dans la vie quotidienne. Comprendre et expliquer cette ambiguïté de l'art constituent pour ainsi dire un défi que l'esthéticien s'acharne à relever, quels que soient les risques d'insuccès. (...) bien que la réflexion sur l'art soit, par définition, postérieure aux oeuvres, les esthéticiens ont parfois tenté d'imposer des règles aux artistes, soit en fixant des normes permettant de juger du beau ou du laid, de l'harmonieux ou du discracieux, et même du convenable ou de l'inconvenant, soit en établissant des critères conformes aux canons édictés par avance. Telle est la tentation de tout académisme, voire de l'esthétisme, qui ne sont pas propres au XVIIIe ou au XIXe siècle, mais réapparaissent de temps en temps, notamment lorsque les courants ou les grandes tendances artistiques ne sont plus nettement repérables, comme c'est le cas en cette fin de XXe siecle. Aujourd'hui, toutefois, ce sont là des phénomènes mineurs car les théoriciens de l'art s'abstiennent prudemment de proposer une codification incompatible avec l'esprit de créativité et d'innovation qui caractérise la pratique de l'art. (...) L'époque semble désormais révolue où l'on pouvait déplorer l'hostilité, voire le mépris, à l'égard de l'esthétique. Et l'air du temps, si l'on en juge par le nombre des publications au cours de ces dernières années, témoigne d'un regain d'intérêt pour la réflexion théorique sur l'art. (...) L'art contemporain traverse une crise de légitimation. Chacun peut le constater. les artistes actuels sont accusés de céder au laisser aller, de produre n'importe quoi, de privilégier leur réputation médiatique au détriment de la création. L'art moderne et sa conception chimérique d'un monde rendu meilleur grâce a l'art sont fréquemment tenus pour responsables de cette deliquescence. En rompant avec la tradition et tout classicisme, le modernisme aurait accéléré la disparition des valeurs liées à la beauté, à l'harmonie, à l'équilibre, à l'ordre. Il aurait ainsi légué un lourd héritage aux artistes de notre époque, héritage d'autant plus funeste qu'il conduirait tout droit à la mort de l'art, maintes fois proclamée dans le passé , mais que d'aucuns considèrent sinon comme effective, du moins comme inéluctable. Cette crise de légitimation affecte l'art lui-même dans son essence, et l'impossibilité de dire ce qu'il est, ou ce qu'il n'est pas, ne permet même plus de repondre a cette question pourtant primordiale : quand y a-t-il art ou non art? (...) La disparition des repères traditionnels conduit à la recherche de règles, de conventions, de critères permettant l'exercice du jugement de goût ou bien l'évaluation des oeuvres: faut-il, comme le suggèrent certains, effectuer un retour au passé et restaurer les valeurs anciennes? Ou bien accepter la postmodernité qui prône l'éclectisme des formes, des matériaux et des styles, et proclame la mort des avant-gardes? (...) Certains déplorent aujourd'hui l'absence d'une véritable critique d'art, ou bien son imposibilité, consécutive, précisement, à la disparition de toute norme et de tout critère. Mais que signifie "critiquer" une oeuvre d'art? (...) Le statut social d'un art désormais accessible, en principe, a tous, la démocratisation de la culture, et le soutien financier que l'Etat accorde aux initiatives, aux projets et aux réalisations, notamment dans le domaine de l'art contemporain, modifient en profondeur la manière dont naguère le public percevait l'art. La multiplication des centres culturels, des musées, des expositions, des festivals correspond incontestablement à une volonté politique de la part des dirigeants, mais elle répond aussi a une demande croissante du public. (...) Un phénomène prend chaque jour une importance croissante: l'art, les oeuvres, les artistes, les expositions sont de plus en plus médiatisées. Cela signifie que toujours plus nombreux sont ceux qui connaissent les oeuvres par le texte, écrit ou parlé, ou par l'image, catalogue, télévision ou CD-Rom, et non par une mise en présence directe avec l'oeuvre elle-même. Or, s'il est important de s'informer, ce savoir modifie considérablement l'expérience esthétique traditionnelle. (...) Le discours sur l'art ne peut éluder ces interrogations. Les esthéticiens ont bien compris ces préoccupations du temps présent. (...) mais il en va ainsi de l'ethétique comme de la philosophie ou l'art de poser les problèmes importe souvent plus que la solution. Et l'esthétique contemporaine, quel que soit son souci de répondre aux urgences du temps présent, ne peut que se remémorer en permanence son origine philosophique. (...) L'orsqu'on jette un regard critique sur l'antiquité, sur Platon et Aristote, on voit que l'art, hormis ses interprétations métaphysiques, pose des problèmes identiques: la nouveauté, l'inédit, le hors-normes , la modernité dérangent. La création, en un mot, provoque les mêmes méfiances, les mêmes exclusions . Une incursion dans le passé, dans la Grèce des Ve et IVe siecles avant notre ére, permettra de mieux mesurer la puissance des ruptures survenues à la fin du XIXe siecle. La Renaissance est une rupture avec le Moyen Âge; la modernité est une rupture avec la Rennaissance et avec une tradition millénaire héritée de l'antiquité. Les mouvements d'avant-garde entendent bien quitter l'espace renaissant, un espace visuel et sonore devenu t rop étriqué au regard des bouleversements de l'époque. Toutefois, rompre avec une tradition, c'est un peu comme vouloir se débarrasser d'une habitude: bonne ou mauvaise, celle-ci représente un certain confort. Deux solutions: le compromis ou le coup de force. Avouons-le, les esthéticiens choisissent toujours la première et les artistes la seconde. Au XIXe siècle, malgré les résistances , la nostalgie, les souvenirs, les artistes modernes et avant-gardistes font valoir l'inédit, la nouveauté, le choc des innovations successives . L'âge des ruptures commence, avec pour conséquence le risque d'une rupture entre l'art et le public. Un nouveau défi attend l'esthétique: celui de réconcilier, autant que faire se peut, les provocations des artistes et le goût de leurs contemporains. Ce defi est toujours actuel. Dès lors, le retard de l'esthétique n'est pas un handicap; venir après les oeuvres signifie qu'elle prend le temps de réflechir sur son histoire passée et présente. Au moment ou l'art d'aujourd'hui perd, dit-on, tous ses repères et ses critères, un tel retard devient même un privilège.

(Marc JIMENEZ. Extraits de l'avant-propos de "Qu'est-ce que l'esthétique?")]

[Quelque chose est-il en train de changer dans l'édition française? Rendez-vous compte: vous pouvez désormais vous procurer en édition de poche un ouvrage intitulé "Qu'est-ce que l'esthetique?" Quatre cents pages limpides qui sont une histoire de l'esthéetique mais aussi une discussion menée par l'auteur, Marc Jimenez, des différentes théories. (...) La rectification des interprétations de Hegel est remarquable, de même qu'est pertinente la réserve exprimée à propos de Nelson Goodman et de Arthur Danto, même si l'importance accordée par Danto a l'aspect rhétorique de l'oeuvre d'art est négligée. Là où Jimenez excelle, c'est dans la définition de sa discipline...et de ses ambiguïtés (l'esthétique définit-elle la faculté de juger ou bien une philosophie de l'art? Pourquoi se laisse-t-elle doubler par les théories des artistes eux-mêmes?) La manière dont l'acquisition par l'art de son autonomie a rendu possible l'autonomie du jugement est remarquablement mise en évidence. Et cette autonomie de l'art, avec un grand A, implique une correspondance entre tous les arts qui nous intéressent particulièrement, nous qui sommes confrontés aux questions d'interdisciplinarité, de hors-cadre, d'oeuvre d'art totale.

Catherine MILLET, in Art Press nš221, février 1997]

Journées d'étude; l'art et le vivant

L'art et le vivant

EHESS, 105 bd Raspail, salle 8 - 105 bd Raspail - 75006 Paris

L'Art et le Vivant
25 et 26 juin 2008
EHESS, 105 bd Raspail, salle 8

Journées d'étude doctorale organisées par:

• Aude-Marie Certin (doctorante EHESS)
• Cyril Crignon (doctorant EHESS)
• Sara Longo (doctorante Paris I)
• Dimitri Lorrain (doctorant EHESS)
• sous la direction de Dimitri Lorrain

Avec le soutien de l'Ecole Doctorale de l'EHESS et du CHAR (Paris I)

La production et l'organisation de l'œuvre d'art, tout comme la production et l'organisation du vivant, ont toujours constitué des énigmes donnant à penser et à rêver. Les théories élaborées depuis l'Antiquité pour expliquer ces énigmes ont souvent associé l'art et le vivant. De manière courante, on parle de "genèse", d'"animation" de l'oeuvre. Celle-ci peut être pensée comme relevant d'une beauté, d'une forme ou d'une harmonie - notions qui, en Grèce antique, servent à penser l’organisation du vivant. En retour, de l'Antiquité à la Renaissance, le vivant a pu être envisagé comme étant l'œuvre d'un démiurge originaire, qui n'est autre, comme l'indique le terme grec "démiurge", qu'un artisan - ou un artiste.
Nous devons à Jackie Pigeaud d'avoir montré, dans son ouvrage L’art et le vivant, que, dans la tradition artistique et intellectuelle européenne, le vivant et l’art sont articulés dans une « rêverie organisée ». En reprenant les notions classiques de beauté, de forme, d'harmonie ou d'animation, l'auteur montre qu'elles sont en fait le fruit de réflexions très efficaces pour penser l'art et le vivant. Et si ces notions sont devenues des lieux communs parfois considérés comme dépassés, c'est sans doute que nous n'arrivons plus à les « rêver » comme elles l’ont été.
Dans un esprit de comparatisme et d’interdisciplinarité, nous essaierons de montrer que cet axe de recherche permet de mieux comprendre la manière dont la rêverie de l’art et du vivant a été pensée dans l’ « histoire longue » de l’Occident. Notre recherche s'inscrira dans un double mouvement: d'une part une réflexion anthropologique qui cherche à définir différents types de rêveries de l'art et du vivant, de l'autre une volonté d'envisager les multiples nuances et la complexité singulière de chaque rêverie.
Menée en commun, cette recherche prolongera donc la réflexion de Jackie Pigeaud et nous amènera à nous demander s’il n'existe pas, dans l’histoire longue de l’Occident, différentes rêveries de l’art et du vivant, que nous essaierons de définir. A première vue, il semble que dans ces différentes rêveries, le vivant de l’oeuvre puisse être pensé comme relevant d’une forme harmonieuse, ou bien d’un microcosme analogique ; mais il est aussi rêvé comme relevant d’un devenir métamorphique, voire, dans une optique plus moderne, d'une utopie de l’informe. Il conviendra donc d'étudier à égalité ces différentes rêveries, pour éviter toute normativité a priori.
Ainsi nous nous interrogerons anthropologiquement sur ces rêveries ainsi que sur notre propre position par rapport à elles. Pour cela, nous nous appuierons sur la réflexion de Philippe Descola dans son ouvrage Par-delà nature et culture sur l’évolution anthropologique de l’Occident. Nous nous interrogerons sur le "grand partage" qui, avec la naissance de l'idéologie moderne et l'objectivation scientifique de la nature, a séparé l'homme du monde, ainsi que la culture - et donc l'art - de la nature considérée comme un vivant animé.
Cette réflexion anthropologique cherchera à établir des comparaisons permettant d’approfondir la singularité et la complexité de cette rêverie chez chaque artiste ou penseur.
Enfin, afin d'essayer de « nous frotter les cervelles », comme l’écrit Montaigne, les Journées seront ponctuées par des mises en perspective des organisateurs et des répondants, qui ouvriront à des discussions auxquelles nous laisserons un temps substantiel.

Programme

Mercredi 25 juin, 9h -12 h

Médiatrice : Sara Longo (doct. Paris I)
Répondant : Jean-Claude Schmitt (EHESS)

• 9h-9h10 : Dimitri Lorrain (doct. EHESS) : Présentation des Journées d’étude
• 9h10-9h30 : Heleni Fragaki (postdoct. Paris X) : Rêves mécaniques : les automates dans l'art alexandrin
• 9h30-9h45 : Discussion
• 9h45-10h05: Aude-Marie Certin (doct. EHESS) : Création et viriditas chez Hildegarde de Bingen
• 10h05-10h20 : Discussion

Pause

• 10h35-10h55: Pauline Labey (doct. EHESS) : Mise en forme et mise en ordre du vivant chez St Thomas d'Aquin
• 10h55-11h10 : Discussion
• 11h10-11h20 : Sara Longo (doct. Paris I) : Mise en perspective de la demi-journée
• 11h20-11h35 : Discussion
• 11h35-11h45 : Jean-Claude Schmitt (EHESS): Mise en perspective d'une question développée lors de la matinée
• 11h45-12h00 : Discussion

Mercredi 25 juin, 13h30 - 1hH30

Médiatrice : Aude-Marie Certin (doct. EHESS)
Répondant : Yves Hersant (EHESS)

• 13h30-13h35 : Présentation
• 13h35-13h55 : Dimitri Karadimas (Collège de France) : Perceptions et figurations : le cas des animaux imaginaires
• 13h55-14h10 : Discussion
• 14h10-14h30 : Sara Longo (doct. Paris I) : Andrea Mantegna: roches animées et corps minéraux
• 14h30-14h45 : Discussion

Pause

• 15h-15h20 : Anne Lepoittevin (doct. Univ. Tours) : Des hommes debout ? Réflexions sur l’hyperréalisme des statues presque vives des Sacri Monti italiens
• 15h20-15h35 : Discussion
• 15h35-15h45 Aude-Marie Certin (doct. EHESS) : Mise en perspective de la demi-journée
• 15h45-16h00 : Discussion
• 16h00-16h10 : Yves Hersant (EHESS): Mise en perspective d'une question développée lors de la journée
• 16h10-16h25 : Discussion
• 16h25-16h30 : Conclusion de la journée

Jeudi 26 juin, 9h - 12h

Médiateur : Cyril Crignon (doct. EHESS)
Répondant : Danièle Cohn (EHESS)

• 9h-9h05 : Cyril Crignon (doct. EHESS) : Présentation de la matinée
• 9h05-9h25 : Aloïs Wieshuber (doct. Munich) : From matter to freedom: Schellings concept of art as an organism
• 9h25-9h40 : Discussion
• 9h40-10h: Dimitri Lorrain (doct. EHESS) : L’art et le vivant chez Warburg: pathos, harmonie et analogisme
• 10h-10h15 : Discussion

Pause

• 10h30-10h50: Tiziana Migliore (doct. Venise) : "Eadem mutata resurgo". La spirale entre nature et culture
• 10h50-11h05 : Discussion
• 11h05-11h15 : Cyril Crignon (doct. EHESS) : Mise en perspective de la demi-journée
• 11h15-11h30 : Discussion
• 11h30-11h40 : Danièle Cohn (EHESS): Mise en perspective d'une question développée lors des journées
• 11h40-12h00 : Discussion

Jeudi 26 juin, 13h30 - 17h00

Médiateur : Dimitri Lorrain (doct. EHESS)
Répondant : Jackie Pigeaud (Nantes, Institut Universitaire de France)

• 13h30-13h35 : Présentation
• 13h35-13h55 : François Dingremont (doct. EHESS) : L'entropie, modèle archaïque et pratique contemporaine (Robert Smithson)
• 13h55-14h10 : Discussion
• 14h10-14h30 : Cyril Crignon (doct. EHESS) : « I am Nature »: la peinture de Jackson Pollock entre 1947 et 1950, ou le vivant produisant son lieu
• 14h30-14h45 : Discussion

Pause

• 15h-15h20 : Olivier Favier (traducteur, master 2 EHESS) : La vie au centre (Carlo Bordini)
• 15h20-15h45 : Discussion
• 15h45-16h00 : Jackie Pigeaud (Nantes, Institut Universitaire de France): Mise en perspective d'une question développée lors des Journées
• 16h00-16h15 : Discussion
• 16h15-16h35 : Dimitri Lorrain (doct. EHESS) : Mise en perspective de la demi-journée et intervention sur l’ensemble des journées
• 16h35-16h55 : Discussion
• 16h55-17h00 : Conclusion des Journées d’étude
• 17h00:
  

因为第一次参加，本来是想随便看看，所以错过了第一天，第二天还迟到了一个小时，没想到收获还是挺大的，最重要的是这样的经历仿佛又激起了一些对知识的热情，对未来的茫然，惶惑的态度也被抚平了一些，因为，一直以来，这样的环境，制约我对未来的想象力，看不到另外一种生活的可能，所以今天意义重大……

旅行的艺术

对旅行的期待

　　眼睛其实是和身体，以及在旅行中相伴相随的我们的心智密不可分的。P22
　　　　
　　无论是赏心悦目的事物，还是实实在在的东西，我们从中获取幸福的关键似乎取决于这样一个事实，那就是我们必须首先满足自己情感或心理上的一些更为重要的需求，诸如对理解、爱、宣泄和尊重的需求。P26
　
　　构成幸福的关键因素并非是物质的或审美的，而永远是心理上的。
　　
　　我们所想见到的总是在我们所能见到的现实场景中变得平庸和黯淡，因为我们焦虑将来而不能专注于现在，而且我们对美的欣赏还受制于复杂的物质需要和心理欲求。
　　
旅行中的特定场所
　　　
　　任何地方！任何地方！只要它在我现在的世界之外！P33
　　
　　这就是平常的生活。从里海到斯劳，飞机是尘世的一种象征，带着它飞跃过所有地方的风尘；它永不停息的飞行给人们以想象的力量，藉此消解心中的沉滞和幽闭感。P35
　　
　　源于这些显示屏的，是持续不断的召唤，有时还伴随有电视屏上光标不安分的闪烁，似乎在昭示，我们既有的生活多么容易被改变：假设我们走过一条通道，登上飞机，那么数小时后，我们将置身于一个全然陌生的地方，在那里，没有人知道我们的名字。P38
　　　
　　飞机的起飞为我们的心灵带来愉悦，因为飞机迅疾的上升是现实人生转机的极佳象征。飞机呈现的力量能激励我们联想到人生类似的、决定性的转机；它让我们想象自己终有一天能奋力攀升，摆脱现实中赫然迫近的人生困厄。P42
　　
　　旅行能摧人思索。很少地方比在行进中的飞机、轮船和火车上更容易让人倾听到内心的声音。我们眼前的景观同我们脑子里可能产生的想法之间存在着 某种奇妙的关联：宏阔的思考常常需要有壮阔的景观，而新的观点往往也产生于陌生的所在。在流动景观的刺激下，那些原本容易停顿的内心求索可以不断深进。
　　
　　在长时间的火车梦幻的最后阶段，我们会感觉自己返归本真--亦即开始清楚那些对我们真正重要的情感和观念。
　　
　　这全然陌生的环境能促使我们从一个新的高度来省察我们的生活。这高度，是我们在家中，为日常琐事所烦扰时所不能达到的。
　　
　　旅行，或者那种漫无目的的漂泊的过程，其价值在于它们能让我们体验情感上的巨大改变　
　　
　　如果我们在加油站，还有汽车旅馆等地方发现了生活的诗意，如果我们为机场和火车车厢所吸引，其原因也许是我们明确地感觉到这些偏僻孤立的地方 给我们提供了一种实实在在的场景，是我们能暂时摆脱因循僵滞的日常生活中难以改易的种种自私的安逸、种种陋习和据囿，不管它们在设计上是如何的不完美、不 舒适，在色彩上如何的不含蓄，在灯光上是如何的不柔和。P62
　　
异国情调
　　
　　这个指示牌之所以让我快乐，原因之一在于它是第一个肯定的见证，表明我已经到达了一个“别的地方”。
　　　　　　
　　异国情调一词包含有一些更细微、更让人捉摸不定的意义，异域的魅力源发于新奇与变化。但除此之外，这一切可能为我们带来更深层次的快乐，因为 我们看重这些域外特质，不仅仅是因为它们新奇，而且还因为它们更符合我们的个性，更能满足我们的心愿，相反，我们的故土并不能做的这一切。　　
　　
　　为什么福楼拜如此欣赏骆驼？一个重要原因是他认同骆驼的恬淡韧毅和朴拙单纯的天性。骆驼忧伤的表情，骆驼朴拙中透出宿命般的生存能力，都让他感动。埃及人的天性中似乎也有骆驼的影子：在静默中表现出一种勇毅，一份谦恭。P87　　
　　
　　对我来说，祖国是我热爱的国度，换言之，是一个给我梦想，让我舒畅的国度。
　　　　
　　有人问苏格拉底他从哪里来，苏格拉底回答说，他来自世界而非雅典。
　　
好奇心
　　　　
　　对于任何旅人来说，一个为求得真知而进行的旅程，远比一个四处观光之旅得到更多好处。

　　评判我所学的任何东西，都应以它是否让我受益为准则，而不是考虑它是否满足他人的利益。我对事物的发现应该让我更具活力：它们必须以某种方式使我“生命升华”。P110
　　　　
　　通过历史了解我们的社会和身份认同如何形成，从而得到一份延续性和归属感。进行此类旅行的人“超越个人的短暂生命并感觉到自己是他寓所、种族和城市的灵魂”。P111
　
　　人们的好奇心会涵盖更广阔的天地，最后到达什么都觉得新鲜，有趣的阶段。那些混沌的大问题便引出了更细微和深奥的问题。P118
　　　　　　
　　然而不幸的是，多数的景物不会让游客产生质疑，他们也因此失去了他们应得的刺激和情趣。这些景物往往平淡无奇，不给人任何联想；即便偶尔给人联想，这种联想也只是错误的联想。P119
　　
　　惟有经历好奇心的漫长演化，看到莎巴提尼设计的具新古典形式外观的大教堂，才会觉得欣喜，而不会陷入无聊、沮丧。
　　
　　旅行的一个危险是，我们还没有积累和具备所需要的接受能力就迫不及待地去观光，而造成时机错误。我们所接纳的新讯息会变得毫无价值，并且散乱无章。
　　
　　这种危险因为地理原因而进一步加剧。同座城市中的建筑物或纪念碑可能不过咫尺之遥，然而鉴赏它们所需具备的能力却有天渊之别。我们到一个或许 不再重游的地方观光，觉得自己有必要接二连三地观赏一些列景物，然而这些景物，除了地理位置相近，别无其他联系可言。实际上，要求人们对各个景物都有适当 的了解是非常困难的，因为不同的鉴赏能力是很难在同一个人身上找到的。
　　
乡村与城市
　　
　大自然能够让人了解
　　我们内在的心灵，它静谧而且美丽
　　它带给我们崇高的理念
　　不论是邪恶的言辞、偏见、自私自利者的鄙视、
　　毫无善意的寒暄以及日常生活的人情淡薄
　　都不能战胜我们，也不能剥夺我们
　　这个愉快的信念：眼中所见的自然充满
　　神的恩赐。
　　
壮阔
　　　　　
　　面对“一片广阔郊野、广垠荒芜的大沙漠、悬崖峭壁和浩瀚江河”，总会感觉到一种“美好的宁静和惊异”。
　　
　　人在这些壮阔景观面前，就像迟来的尘埃。与这般壮丽景致的交会，令人欣喜、陶醉，也让人在面对宇宙的力量、更迭和浩渺时，深感人类的脆弱与渺小。
　　
　　
　　一种景致只有让人感受到力量，一种大过人类、甚至威胁到人类的力量，才能称之为壮阔。壮阔之地具体表现了人类意志所不能左右的力量。
　　

　　庞大、空旷、晦暗，而且这些景致因具有一致而延绵不绝的特质，看起来无穷无尽。
　　
　　如果这个世界不公平，或让人无法理解，那么壮阔的景致会提示我们，世间本来就是如此，没有什么好大惊小怪的。
　　
　　P176
　　
　　自然界中广阔的空间却最充满善意和敬意地提示了我们所有超越我们的事物。如果我们用更长的时间与它们相伴，它们会帮助我们心服口服地接受那些无法理解而又令人苦恼的事情，并接受我们最终将化为尘土这一事实。
　　
令人大开眼界的艺术
　　
　
　　似乎对一个地方的感觉已经被这些地方内在的气质或是我们心中根深蒂固的思维模式所决定。
　　
　　视觉艺术将使平常湮没在众多素材中的要素凸现出来，同时使其稳定下来，一旦我们熟悉了这些要素，视觉艺术就会在不知不觉中推动我们在周遭的世界中发现这些要素；如果我们已经发现了它们了，它将使我们更有信心，让这些要素在生命中发酵。
　　
　　P183
　　
　　快点，快点，快点，再快点，就好像一个收割者，在炙热的阳光下沉默着，全部的注意力只在于他的收获。
　　
　　虽然他不确定自己是否有这种力量，但他从未动摇过他这个在理论上可以实现的信念--也就是说，艺术家能够画出世界的一部分，并且最终使其他人的眼界因之而大开。
　　
　　P185
　　
　　衡量每一个杰出画家的标志就是他们是否能够让我们更加清楚地看到世界的某些部分。
　　
　　P188
　　
　　拙劣的艺术可以被定义为一连串错误选择的后果，该表现的没有表现出来，该省略的却又呈现出来。
　　
　　P189
　　
　　在惠斯勒画出伦敦的雾之前，伦敦并没有雾。在梵高画出普罗旺斯的柏树以前，普罗旺斯的柏树一定也少得多。
　　
　　P193
　　
　　大多数的画家对色彩的研究不深...没有看到南方的黄色、橙色、琉璃色，并且如果有一个画家用眼看到了他们没有看到的色彩，他们就说这个画家疯了。
　　
　　叶子新鲜时是一种丰润的绿，是那种我们在北方很少看到的绿。当它枯萎时，蒙上了灰尘，它仍没有失去它的美，因为那个时候整片景色已经染上了各 种色调的金色，绿色的金，黄色的金，粉色的金...这种金色色调与蓝色相结合，有水的宝蓝，勿忘我的靛蓝，特别是亮丽明艳的钴蓝。
　　
　　P194
　　
　　夜晚甚至比白天更加色彩斑斓...只有你注意着它，你才会看到有些星星是淡黄色的哦，其他的星星有一种粉红色的光芒，或者泛着绿色、蓝色，和勿忘我的光辉。不用说，只在蓝黑背景上放置白色的小点，显然是不够的。
　　
　　P199
　　
　　选择将现实中的哪些方面包含在画中，那些方面排除出去。正如尼采所了解的，现实本身是无穷的，也永远无法全部被表现于艺术之中。在普罗旺斯的画家当中，梵高之所以独树一帜，是因为他选择自己感觉最重要的东西来表达。
　　
　　梵高只在意画出他认为最能表现南方特色的地方，他追求的“像”不同于虔诚的摄影师所追求的逼真。他所关注现实中的那一部分，有的时候需要加以 扭曲、省略或者更换颜色，放能在画面上表现出来，但是依然使他感兴趣的是真实--“相似性”。他愿意牺牲一种幼稚的现实主义来成就一种更加深刻的现实主 义，就像一个诗人，在描述一件事件时虽然比不上一名记者来得真实，但是却可能揭示出在记者严谨的文字框架内无法找到的事件的真相。
　　
　　与其尝试着去精确再现展示在我面前的图景，我更加倾向于随心所欲地运用色彩，为的是有力地表达我自己。
　　
　　P203
　　
　　绘画是多么地虚荣，它使得我们不去赞美事物本身，而兴奋地赞美绘画所体现出来的与事物的相似性。
　　
　　画家并不单纯地再现，他们有所选择，有所强调，同时他们还致力于表现他们眼中的真实，因而值得让人真心喝彩。
　　
　　P204
　　
　　欣赏的能力可以从艺术转向现实世界。我们会发现许多事物，最初画布上的图景让我们感到愉悦，而后我们在画作所描绘的那个地方喜欢上它们。
　　
　　P206
　　
　　艺术不可能完全凭借自身力量创造热情，也不可能是从凡人所缺乏的情感中产生，它只是推波助澜，诱发出更深刻的感受，使我们不至于因匆忙和随意变得麻木。
　　
　　对美的拥有
　　
　　P209
　　
　　很多地方，我们去过了，但却只是走马观花，或者不以为意；然而，它们之中，偶尔也会有几个地方非常特别，给我们强烈的震撼，迫着我们去注意它 们。这些地方共有着一种特制，可以用“美”这个笼统的字来概括。这种品质并不见得是指漂亮，也不意味着它包涵任何旅游手册所描绘的美丽景点的特征。求助于 语言或许是另一种表达我们对一个地方的喜爱的方式。
　　
　　P210
　　
　　在与美邂逅的那一刻，我们会有一种强烈的冲动，就是一种握住它不放的渴望：将它占为己有，并使它成为自己生命中举足轻重的一部分。我们有一种迫切地表达的欲望：“我曾经在这里，我看见了它，它对我很重要。”

　　但是美是短暂的，它常常在那些我们无缘再见之地被发现，或者是在一定的季节、光线及天气情况下才能形成的难逢之景。
　　
　　照相机提供了一种选择。拍照可以稍稍满足那种拥有的渴望，这种渴望是被一个地方的美丽所激起的；我们对将要失去一幅珍贵的图景的焦虑，会随着 快门的每一次闪动而逐渐消失。也许我们还可以尝试着让自己完全置身于一个美丽的地方，希望通过让自己更加接近于这地方而使它们在我们心中留下更深刻的印 象。 　　
　
　　只有一种办法可以正确地拥有美，那就是通过理解美，并通过使我们敏感于那些促成美的因素（心理上的和视觉上的）而达到对美的拥有。追求这种敏锐理解的最有效的方式就是，尝试通过艺术，通过书写或绘画来描绘美丽的地方，而不考虑我们是否具有这样的才华。
　　
　　P214
　　
　　我的目标并不是把一名工匠调教为一名艺术家，而是使他成为一名更加快乐的木匠。
　　
　　绘画可以教我们去观察：不是走马观花地看，而是关注。在用我们的手再创造眼前的景物的过程中，我们似乎自然而然地从一个松散的方式观察美的位置转向了另一个位置，在这个位置上，我们可以获得对美的组成部分的深刻理解，继而获得关于美的更深刻的记忆。
　　
　　P215
　　
　　我们在旅行时，如果我们放弃每小时走100英里，从从容容地行进，我们或许学会变得健康些、快乐些、或明智些。世界之大，远超过我们的眼界可 以容纳的范围，不管人们走得多慢；走得快，他们也不会看到更多。真正珍贵的东西是所思和所见，不是速度。子弹飞得太快并不是好事；一个人，如果他的确是个 人，走慢点也并无害处；因为他的辉煌根本不在于行走，而在于亲身体验。
　　
　　P217
　　
　　技术也许让人们更加容易接触到美，但是它并没有使用有或欣赏美的过程变得简单。
　　
　　使用者们不是把摄影作为积极而有意识的观察的一种补充，相反，他们将它作为一种替代物，以为只要有一张照片，自己就把握了世界的一部分。
　　
　　绘画这种爱源于一种渴望。“不为名声，不为服务于别人，也不为自己，而是来自一种像吃或喝一样的本能。”而绘画、吃饭、喝水这三件事之所以可以相提并论，是因为它们全部涉及自己从这个世界吸收好的元素，把好的东西输进来。
　　
　　P218
　　
　　对于一片景色真正的拥有，实质是通过有意识的努力注意到各种元素并且了解它们的结构。只要将眼睛睁开，我们就能见到许多美景，但是这份美在记 忆中存留多久却要依赖于我们领悟它的用心的程度。照相机模糊了观看和注视之间、观看与拥有之间的区别；它或许可以让我们择取真正的美，但是它却可能不经意 地使意欲获得美的努力显得多余。 　　
　　在素描的过程之中，类似的问题不断出现并得到回答。
　　
　　P219
　　
　　你的艺术是对某些你所喜欢的东西的赞美。它或许仅仅是对一片贝壳或是一块石头的赞美。
　　
　　画一件物体，不论画得有多糟，我们都会很快从模模糊糊的感觉进到明确的知觉，分析这样东西的组成部分和特点。
　　
　　P220
　　
　　我们可能从绘画中获得的另一个好处是：我们可以对某些风景和建筑吸引我们的深层原因有一种清醒了解。
　　
　　我们更快地分析一种令我们感动的景色，并且明确指出它令我们感动的力量从何而来。我们从一种麻木的“我喜欢这个”转变为“我喜欢这个，因为...”
　　
　　P221
　　
　　绘画使我们得以“定住即将消逝的云彩、颤抖的叶子及变幻的阴影”。
　　
　　指引人们在物质世界中，把注意力精确地放置于上帝的作品所展现出来的美丽。
　　
　　P223
　　
　　写作就是用文字画画。
　　
　　导致失败的结果仅仅是因为我们没有问自己足够多的问题，没有精确地分析我们的所见和所感。
　　
　　P230
　　
　　了解痛苦，并探寻美的根源。
　　
　　我相信视觉比绘画来得重要；我宁愿教我的学生绘画，从而让他们学会热爱自然，而不会教他们盯着自然，从而让他们许会如何绘画。
　　
　　习惯
　　
　　P233
　　
　　人类不快乐的惟一原因是他不知道如何安静地呆在他的房间里。
　　
　　P236
　　
　　我们从旅行中获取的乐趣或许更多地取决于我们旅行时的心境，而不是我们旅行的目的地本身。 　　
　　什么是旅行的心境？感受力或许是它最主要的特征。我们怀着谦卑的态度接近新的地方。对于什么是有趣的东西，我们不带任何成见。 　　
　　P240
　　
　　刚进入一个新的地方的时候，我们的敏感性会引领我们注意很多东西，等到确认这个地方对我们而言有何功能之后，我们注意的东西就会越来越少。
　　
　　P241
　　
　　我强迫自己遵循一种特殊的精神命令：环顾我的四周，仿佛我从前从未来过这里。慢慢地，我的旅行开始有了收获。
　　
　　P242
　　
　　独自旅行似乎有一个优点。我们对世界的看法通常在极大程度上受到我们周围人们的影响，我们调和自己的求知欲去满足别人的期待。他们或许已认定我们是怎样的人，因此我们不得不有意识地隐藏自己身上的某些东西。
　　
　　我们不得不让自己看上去更正常，这样一来便影响了我们的求知欲。
　　
　　P243
　　
　　我被一种不确定的渴望所激励，这种渴望就是从一种令人厌倦的日常生活转向一个奇妙的世界。
　　
　　P244
　　
　　有些人知道如何利用他们的日常生活中平淡无奇的经验，使自己成为沃土，在这片沃土上每年能结出三次果实，而其他一些人则只会逐命运之流，逐时 代和国家变幻之流，就像一个软木塞一样在上面漂来漂去。当我们观察到这一切后，我们会把人分类两类：一种人可以化腐朽为神奇，另一种人则是化神奇为腐朽， 绝大部分人是后者，前者则为数寥寥。
　　
　　让我们在前往远方之前，先关注一下我们已经看到的东西。


作者简介：阿兰·德波顿（Alain de Botton），英伦才子型作家，生于1969年，毕业于剑桥大学，现住伦敦。著有小说《爱情笔记》（1993）、《爱上浪漫》（1994）、《亲吻与诉说》（1995）及散文作品《拥抱逝水年华》（1997）、《哲学的慰藉》（2000）、《旅行的艺术》（2002）。他的作品已被译成二十几种文字。

书评

艺术源于陌生

……《旅行的艺术》告诫那些旅行者，旅行的乐趣并不在于景物带给你的感官刺激，那些外在的因素最终作用很小，真正关键的在于你的内心，当你以一种欣赏艺术的心 态面对你的旅行时，你会发觉很多不曾注意到的细节，你会注意到这一秒与下一秒的不同，注意每一片云的运动，注意光线在地上留下的影子，注意到那些看似零乱 的事物都有它美丽的规律，而那才是旅行的真谛。

爱生活，多读书，少旅游

……　在读书和旅游比起来，我宁愿当个（已读）书本收藏者，也不愿意当个目的地收藏者。
　　
她丢了结婚戒指

从旅行的艺术中悟到的……

流水帐

流水帐的意义在于，当时间如水般流逝时，你知道生活是如何经过，波澜壮阔，或者波澜不惊……